やがて線としてつながりだす ── ルーシー・リー展、茶道具／山田正亮展、杉本博司『絶滅写真』展より

ここ最近、触れた全ての展示内容が連続して重なり合う、面白い体験をすることができた。

まずは、荏原 畠山美術館での『茶道具と銘をめぐる物語 ／ 抽象・美への招待―静謐なる山田正亮』展から。

「涼」を感じる軽やかな茶道具の数々。
特に《蕎麦茶碗 銘 螢》の銘からして、そして色と模様からして感じられる、涼しげで粋な佇まい。
そして夏茶碗にふさわしい、浅く外に開いた瀟洒なかたち。

これは、ちょうど隣町の目黒にて開催中の『ルーシー・リー展』と連続して見ていくと、彼女の作品にある東洋との接続を多く感じ入ることができる。

ルーシー・リー作品の特徴である、小さな高台から口部にかけて大きく広がる繊細な器の形。
これは、先程の《蕎麦茶碗 銘 螢》からも連続した作品として見ることもできる。少なくともバーナード・リーチ作品よりは、遥かに接続度としては高い事は間違いない。
そして実際、ルーシー・リーは東洋特に宋代の陶磁器から、過去多くを学んでいる。

一方で、茶道具の銘と対比して展示された、山田正亮の抽象画世界。
それまで「ストライプの抽象画家」のような薄い印象で記憶していた山田正亮の作品が、茶道具の世界と地続きで違和感なく連続し、並んでいる。

特に、両者が放つ空間の空気感の一致性。
茶室という極限まで削ぎ落とされた空間の精神性と、山田正亮のストイックな抽象画が放つ佇まいは、「削ぎ落としに削ぎ落としきった先にしか到達できず見えてこない、何かの芯のようなもの」を追求していこうとする行為において、完全に接続している。
そして、そんな新たな結びつきを発見していく面白さと新鮮さがある。

さらにここから山田正亮の抽象画世界が持つ、極限までの削ぎ落とし方と本質への迫り方は、杉本博司『絶滅写真』展での『海景』作品のシャープなコンセプトとありようとも重なり合ってくる。

そしてそれがさらに真に迫ってくるのは、40年に及んだ山田正亮の〈Work〉シリーズが持つ、ストイックな探求を終えた先に到達した最後のシリーズとなる〈Color〉。
この自由で生命力に満ちた色彩空間は、杉本博司の近作〈Opticks〉の光と色の空間と、ぴたりと符号する。
実際に氏は「光を絵の具として使った新しい絵（ペインティング）」と本作について触れている。

何かについて求め続けていると、全ての接点で自分が触れるものが、その後つながりあってくる事がある。
それを、かつてスティーブ・ジョブズは「Connecting the dots」と呼んでいた。

大学中退後、興味本位で潜り込んだ「カリグラフィー」の講義。
そこでの学びが、10年後にMacをデザインするときに、フォントへのこだわりとして反映されていく。

・線としてつながっていると理解できるのは、後から振り返ったときだけである事
・今見ている事／やっている事（点）は、必ずつながる時がある、と信じる事

発想であれなんであれ、何かを出力しようとするとき、人の脳は総動員する。
自分が過去に触れてきた、あらゆるものを。

求め続けていれば、必ずどこかで過去の「点」は「線」として結びつき、これから行う事へとつながっていく。
自分も同じように、それを信じている。