固有のスタイルを、どのようにして人は手にしていくのか？ ── 『岡田謙三 パリ・目黒・ニューヨーク』より

人は、どのようにして、自分自身の固有のスタイルを手にしていけるのだろう？
作家の遍歴を辿ることで学べることの一つは、この点だと思っている。

岡田謙三は、はじめはパリへ渡り、いわゆるモンパルナス界隈の影響を分かりやすく受けていく、いわば「超王道コース」から始まっている。

そのため初期作を見ていると、言葉は悪くて申し訳ないのだけど、「界隈の（しかも日本人コミュニティ内のみでしか通用しない）」都会的な絵画、という印象がまず浮かぶ。柔らかな色彩感覚は、のちへも受け継がれているものがあるとは思うけれど。
でも、キャリアの始めは誰だってそう。常に真似から入っていく。

そしてその後の戦時中時代は、今度は藤田の影響を分かりやすく受けている。あとはマティス。
こちらもやや見ているこちらの方が恥ずかしく感じられてくる程、直接的な影響を受けている。

でも、人が固有のスタイルを得るまでは、誰しもこうして外部の流行と主流から影響を受け、観察し、真似をし、を繰り返していく。
そうして、自分自身の中に少しずつ少しずつ、「ほんとうに自分にとって大事なもの」を蓄積をしていく。
その一定期間は、誰にとっても不可欠なものだと思っている。

そして次はニューヨークへと場が移る。
時代は抽象表現主義真っ只中。当然、氏は影響を受け、今度は抽象へ転向していく。
そしてはじめの頃は、分かりやすく作品にその影響が見られている。

が、あるタイミングから極端に作品が変わっていく。
その時代の会場へと足を踏み入れた途端、ここには固有のスタイルが刻印されている、とはっきりと確信できるほど、それが分かる。
それくらい明確なスタイルを、ここで突然手にしている。

ベティ・パーソンズ、彼女との出会いがそれをさせたのだと思う。
もう少し具体的に言うと、彼女との出会いを通じて、氏はここで「幽玄」という、自身の作家性を表す言語を手にしている。だから飛躍したのだろうと。

この時代の抽象表現主義といえば、ポロックを筆頭とした「動的な抽象」が主流だったわけだけど、氏はそちらへは行かなかった。
「抽象」に、日本的な美意識である「幽玄」をかけ合わせる事で、「静的な抽象」へと舵を切った。
このかけ合わせの独自性によって、固有の「しるし」を手にしている。

これは想像だけど、パーソンズとの会話を通じて、自分自身を相対化させたのではないか、と思う。
ニューヨークにおける日本人アーティストとしての自分の立ち位置、主流の動的な抽象に対する自身の作家としての立ち位置、等々。
それによって、はじめて自身と向き合い、アイデンティティを再発見し、進むべきスタイルを見つける事ができた。
そんな過程があったんじゃないだろうか。

だからこそこの時代の作品には、氏にしかつくることの出来ない新しい抽象表現主義が、刻印されている。
スタイル確立後、ニューヨークで受け入れられた後からの、扇や波などの日本的モチーフを多用した作品については、あまりに直接的すぎて正直に言えば好きにはなれないのだけど、パーソンズとの出会いを通じてスタイルを獲得した「直後の作品」の数点には、「違う何か」が刻まれていると思う。

「自身を相対化せざるを得ない環境へ身を置く」

それが自身のスタイルを獲得するうえでの一つのトリガーになることが、よく分かる遍歴なのではと思う。
フランスからアメリカへとシーンが移っていく変化の中心へ身を置く事で増す、「じゃあ、お前はどうするんだ？」への問題の切実さの度合い。それは、日本にいた時のそれとは比較にならなかったのではないだろうか。

あともう一つは「辞めない」という点なのだと思う。

パリ〜日本での時期の、模倣的な作品期間内でもし辞めてしまっていたら、このスタイルを手にできず、終わってしまっていただろうと思う。

でもその間の、真似て真似て真似た時期の蓄積と格闘がなければ、そしてニューヨークという自身を相対化せざるを得ない場に身を置かなければ、「ここで何としてでも自身を確立しなければならない」という切迫をもたらさなかったと思うし、日本人である自分にしかできない抽象表現主義とは？という、問いと表現へ至ることはなかったろうとも思う。
これは「辞めなかった」からこそのものなはず。

「環境」が人に機会をつくり、「辞めないこと」がそれまでの蓄積が実を結ぶための条件となる。
極度に抽象化してしまうとそういう事なんだろうと思うけど、そんな単純化した綺麗な言葉のなかには何の学びもない。

一人の作家の人生を通じた遍歴と格闘の一部を垣間見ることのできる、こうした展示のなかへ身を置くことで、はじめてほんの少しだけその学びの断片を自分たちは持ち帰る事ができる。
回顧展とは、そういう機会なんだと思う。